Apprendre la guitare, ce n’est pas seulement accumuler des accords, des gammes et des exercices techniques. C’est aussi apprendre à organiser son travail, à écouter et à garder une relation saine avec son instrument.
En repensant à mes débuts et aux difficultés que je retrouve chez mes élèves, je me suis demandé quels conseils j’aurais aimé recevoir plus jeune. J’en ai retenu neuf. Je ne prétends pas avoir toutes les réponses, et certains vont peut-être vous sembler évidents. Mais parfois, une petite piqûre de rappel fait du bien.
Ces conseils concernent autant ceux qui souhaitent apprendre la guitare en autodidacte que ceux qui prennent des cours. Les trois derniers s’adressent particulièrement aux musiciens qui veulent improviser, même si la confiance et le plaisir restent importants pour tout le monde.
À retenir
- Une pratique régulière et des priorités claires valent mieux qu’une accumulation de tutoriels sans continuité.
- Travaillez votre oreille autant que vos doigts pour relier les positions aux sonorités.
- Comprenez la théorie pour organiser vos connaissances, puis gardez la liberté d’expérimenter.
- L’exigence doit rester compatible avec la confiance en soi et le plaisir de jouer.
1. Soyez constant plutôt que de pratiquer par à-coups
La guitare, c’est un peu comme le sport : pour évoluer, il faut revenir régulièrement à sa pratique. Un peu tous les jours vaut mieux que quatre heures toutes les trois semaines.
Je parle ici de constance, pas nécessairement d’une discipline militaire. Le niveau d’exigence dépend de vos objectifs. Tout le monde ne veut pas devenir musicien professionnel, et c’est parfaitement respectable.
En revanche, si vous souhaitez progresser, votre instrument a besoin d’une place régulière dans votre quotidien. Une grosse séance occasionnelle ne remplace pas le fait de reprendre souvent les mêmes notions et de leur laisser le temps de s’installer.
L’idée n’est donc pas de vous imposer le programme de quelqu’un d’autre, mais de trouver une régularité compatible avec votre vie et vos envies.
Tu peux développer ce sujet notamment via l’article Maîtriser la guitare : méthodes et pratiques efficaces.
2. Définissez vos priorités et un chemin de progression
Beaucoup de personnes savent organiser leurs priorités au travail ou dans leur vie personnelle. Puis, lorsqu’elles commencent un instrument, elles partent dans tous les sens.
Un tutoriel sur une notion, un autre sur quelque chose qui n’a rien à voir, une heure de travail ici, une nouvelle idée quelques jours plus tard… Et quand elles reprennent leur guitare, les deux premières choses sont déjà oubliées. Rien n’a eu le temps de s’ancrer ni de se raccrocher à une base solide.
On finit alors par reprendre sans cesse les mêmes sujets, avec cette sensation de tourner en rond. Si vous vous reconnaissez, ce n’est pas un jugement et ce n’est certainement pas perdu. C’est simplement une organisation à revoir.
Mettez vos priorités sur papier. Définissez ce que vous voulez apprendre, puis les étapes nécessaires pour y arriver :
- Choisissez un objectif de travail précis.
- Repérez les bases dont vous avez besoin pour l’aborder.
- Consolidez ce premier palier avant de passer au suivant.
- Gardez une continuité entre les notions étudiées.
Par exemple, vouloir jouer des accords enrichis sans maîtriser les triades, c’est vouloir sauter des étapes. Les triades, ces accords de trois notes, peuvent vous mener vers les tétrades, les accords de quatre notes, puis vers des sonorités plus complexes.
De la même manière, travailler simultanément les triades, les rythmiques metal et la bossa nova sans lien clair risque de disperser vos efforts. Ce n’est pas une interdiction de vous intéresser à plusieurs styles. C’est une invitation à choisir un axe et à construire une progression cohérente.
3. Travaillez votre oreille relative, pas seulement vos doigts
Nous avons un défaut assez courant, nous les guitaristes : nous nous reposons beaucoup sur les schémas et les positions. Internet est rempli de diagrammes, et on finit parfois par oublier ce qu’ils représentent.
Je ne critique pas les diagrammes. Ce sont des outils utiles. Mais la musique, ce sont d’abord des sons, pas des cases sur lesquelles appuyer.
L’oreille relative permet de reconnaître les relations entre les notes, notamment les intervalles, c’est-à-dire les distances qui les séparent. Si vous avez du mal à distinguer un accord majeur d’un accord mineur, ou à reconnaître la sonorité d’une quinte, ce travail mérite une place dans votre apprentissage.
Vous pouvez vous entraîner avec des tests d’écoute, seul ou à l’aide d’une application. Pour disposer d’un support concret, les exercices de reconnaissance d’intervalles de musictheory.net proposent ce type de travail.
Le point important, c’est de ne pas laisser uniquement vos doigts faire le boulot. Une position sur le manche doit progressivement se connecter à une sonorité que vous entendez et reconnaissez. Sinon, vous apprenez surtout à déplacer vos mains, pas encore à comprendre ce que vous jouez.
4. Soyez méthodique : la qualité compte plus que la quantité
Être méthodique a vraiment fait une différence dans mon propre parcours. Mais attention au mot « rigueur » : il peut vite donner l’impression que la pratique doit être dure, froide et contraignante. Ce n’est pas le but.
Votre méthode doit vous aider à avancer, pas vous faire subir la guitare.
Connaître davantage ne signifie pas mieux jouer
On confond souvent quantité et qualité. En musique, cela se traduit par l’envie d’apprendre une nouvelle gamme, une nouvelle notion ou un nouveau concept chaque semaine.
Pourtant, on peut connaître beaucoup de choses et être incapable de les exprimer musicalement. Ça a été mon cas pendant un moment. Le problème n’était pas forcément ce que je savais, mais la manière dont je le travaillais.
Certains guitaristes me disent qu’ils sont bloqués avec la pentatonique depuis dix ou vingt ans. Apprendre une gamme supplémentaire ne résoudra pas automatiquement ce blocage. Il faut aussi changer la façon d’aborder cette pentatonique, lui apporter d’autres perspectives et d’autres méthodes de travail.
C’est comme les pompes : faire cent répétitions mal exécutées n’a pas le même intérêt que faire quelques répétitions correctement. À la guitare aussi, l’efficacité du travail compte davantage que le volume affiché.
Construisez une méthode qui vous correspond
Il n’existe pas une seule bonne méthode valable pour tout le monde. Votre caractère, votre personnalité et votre manière d’apprendre comptent.
Demandez-vous donc comment vous fonctionnez et si votre façon de travailler vous permet réellement de transformer une connaissance en musique. Les approches utiles sur une première notion pourront ensuite être réutilisées sur la suivante.
Et si vous êtes autodidacte sans être sûr de votre démarche, faites-la vérifier par un professeur ou par quelqu’un de compétent. Un regard extérieur peut vous aider à confirmer votre direction ou à corriger ce qui vous fait perdre du temps. Apprendre seul ne vous oblige pas à rester seul face à chaque difficulté.
5. Acceptez de remettre votre pratique en question
Progresser implique parfois de reconnaître qu’une habitude installée depuis longtemps ne vous aide plus, ou qu’une manière de jouer mérite d’être corrigée.
Ce n’est pas toujours agréable. Quand on fait quelque chose depuis cinq ans, on peut avoir envie de défendre sa façon de faire simplement parce qu’elle nous est familière. Pourtant, accepter de la revoir est une preuve d’intelligence, pas un aveu d’échec.
Quand je parle d’humilité, je ne parle pas de vous diminuer ou de faire semblant d’être modeste. Je parle de rester disponible pour apprendre :
- Écouter les musiciens plus expérimentés.
- S’intéresser à ce qui a été fait avant vous.
- Accueillir une correction sans la prendre comme une attaque personnelle.
- Envisager d’autres méthodes et d’autres approches.
Bien sûr, rester ouvert ne signifie pas écouter n’importe qui ni appliquer tous les conseils au hasard. Gardez votre discernement. Mais ne laissez pas la susceptibilité vous empêcher d’adopter une approche qui pourrait faire évoluer votre jeu.
6. Cultivez votre curiosité pour la théorie musicale
Je comprends que les tierces, les degrés et les tonalités puissent donner à certains l’impression de retourner en cours de maths. Mais ces notions n’existent pas pour vous compliquer la vie. Elles permettent de comprendre et d’organiser ce que vous entendez.
Pour moi, à un certain stade, un peu de théorie devient nécessaire pour dépasser ses limites. L’instinct a sa place, mais il ne remplace pas indéfiniment le travail et la compréhension.
La théorie relie les éléments entre eux
Imaginez apprendre une langue en mémorisant des mots isolés, sans comprendre comment les relier pour former une phrase. Vous auriez du vocabulaire, mais peu de moyens d’exprimer une idée complète.
La musique fonctionne de manière comparable. Une gamme ou un accord n’est pas seulement un élément à collectionner. Il faut comprendre comment il se relie au reste pour exprimer une idée, une émotion, ou les deux.
La théorie apporte aussi du recul. Là où vous voyez trois accords séparés à mémoriser, vous pouvez reconnaître une progression II-V-I, autrement dit un enchaînement des deuxième, cinquième et premier degrés d’une tonalité. Vous ne retenez plus seulement trois objets isolés, mais une structure.
C’est ce genre d’outil qui peut rendre l’apprentissage d’un morceau ou d’une grille beaucoup plus rapide. Il ne s’agit pas de promettre que tout sera appris en cinq minutes, mais de comprendre pourquoi un musicien qui reconnaît les structures dispose d’un avantage pour les mémoriser.
Autodidacte ne veut pas dire sans repères
On entretient parfois un mythe autour des grands musiciens autodidactes : ils auraient tout fait à l’instinct, sans aucune organisation musicale.
Pourtant, ne pas utiliser le vocabulaire du conservatoire ne signifie pas ne rien comprendre. Un musicien peut avoir classé les sons, identifié des sonorités et construit ses propres repères sur le manche sans employer les termes scolaires.
Je pense notamment à Paco de Lucía, à son immense travail technique et à son immersion dans le flamenco. Ses rencontres avec John McLaughlin et Al Di Meola, avec lesquels il a enregistré Friday Night in San Francisco, constituent un exemple intéressant de croisement entre des univers musicaux différents.
Je reste prudent sur ce qu’il connaissait exactement avant ces collaborations. L’idée n’est pas de prétendre retracer à sa place son apprentissage, mais de souligner ce que la rencontre avec d’autres approches peut ouvrir : de nouveaux repères pour improviser, penser les gammes et les tonalités, et enrichir son jeu.
La théorie peut être simplifiée et reliée directement à la pratique. Elle n’a pas besoin d’être barbante. Elle doit surtout vous aider à comprendre les rouages de la musique.
7. Pour improviser, apprenez aussi à dépasser les règles
Ça peut sembler contradictoire après le conseil précédent. Il faut apprendre les règles, puis s’en affranchir ? Oui, mais pas en faisant n’importe quoi.
Vous allez découvrir des associations utiles : telle gamme sur tel accord, tel arpège dans tel contexte, plusieurs arpèges possibles sur une même harmonie. Ces repères sont précieux. Le risque, c’est de finir par les considérer comme les seules possibilités autorisées.
Une pianiste m’avait expliqué qu’elle jouait ses accords à la main gauche, puis uniquement les notes de chaque accord à la main droite. Son improvisation était cohérente, mais très cadrée. La règle lui donnait une direction et, en même temps, limitait son exploration.
Quand vous apprenez une règle, essayez aussi de la considérer sous un autre angle. Comprenez son fonctionnement au lieu d’en faire une recette définitive.
Par exemple, découvrir qu’on peut remplacer le degré II par le degré IV dans certains contextes ouvre la possibilité d’un IV-V-I à la place d’un II-V-I. Mais si vous vous limitez ensuite à ces deux enchaînements, vous avez seulement agrandi votre cadre. Il reste encore d’autres possibilités à explorer.
Laissez une place à ce que votre oreille découvre
J’aime dire à mes élèves que l’oreille va parfois plus vite que le cerveau. C’est une image : vous pouvez apprécier une sonorité avant de savoir l’expliquer.
Dans un contexte de do majeur, un accord de la bémol mineur ne fait pas partie des accords issus de la gamme. Cela ne signifie pas qu’il est interdit de l’essayer. Son intérêt dépendra de ce qui l’entoure et de ce que vous cherchez à exprimer.
Je parle ici de créativité. Si quelque chose sonne bien à votre oreille, ne le rejetez pas immédiatement parce que vous ne savez pas encore le justifier. Vous trouverez peut-être l’explication théorique plus tard.
La théorie doit vous donner des moyens d’explorer, pas vous convaincre que chaque idée doit recevoir une autorisation avant d’exister.
Pour aller plus loin sur cette idée, découvre aussi comment développer ta créativité en improvisation et sortir des schémas trop rigides.
8. Apprenez à apprécier votre jeu sans vous juger en permanence
Chez certains musiciens qui souhaitent improviser, le principal blocage n’est pas le nombre de notions connues. C’est le manque de confiance.
Ils ont des outils, mais n’osent pas s’en servir librement. À peine une phrase jouée, le jugement tombe. Puis il revient sur la suivante, et sur toutes les autres.
La musique est profondément humaine. Votre manière d’être influence votre façon de jouer, votre liberté et votre rapport à ce que vous produisez. C’est pour cela que la confiance en soi fait aussi partie de la pratique instrumentale.
Attention, apprécier son jeu ne veut pas dire tout trouver formidable. Il faut rester juste et reconnaître ce qui ne fonctionne pas. Mais constater une difficulté n’a rien à voir avec prendre l’habitude de se dévaloriser à chaque séance.
Vous pouvez être exigeant sans être constamment dur avec vous-même. Laissez-vous aussi la possibilité d’aimer ce que vous faites. Sinon, l’improvisation devient un examen permanent au lieu d’un espace d’expression.
9. Prenez du plaisir sur le chemin, pas seulement à l’arrivée
Voilà un conseil qui me tient particulièrement à cœur : n’attendez pas d’avoir atteint votre objectif pour vous autoriser à apprécier la guitare.
Petit spoiler pour ceux qui commencent : une fois un objectif atteint, un autre apparaît derrière. Ça ne s’arrête jamais. Et c’est aussi pour cela qu’on aime la musique : on n’en fait pas le tour.
Les objectifs sont utiles, mais si votre pratique n’est plus qu’une succession de défis à réussir, vous risquez de vous démotiver. Le plaisir ne doit pas être réservé au résultat.
Quand la méthode devient excessive
À mes débuts, je suis tombé amoureux de la sonorité de la guitare et d’un monde musical que je découvrais. J’avais une soif énorme d’apprendre.
À une période où j’étais au chômage, je m’étais même construit des programmes de treize ou quatorze heures, écrits avec une rigueur assez folle. Ce qui me fait sourire aujourd’hui, c’est le contraste avec le reste de ma vie, beaucoup plus instinctif et désordonné.
La guitare m’avait poussé à structurer les choses, puis à trop les structurer. Pendant un moment, je me forçais, notamment à faire des exercices techniques, au point de perdre le plaisir de pratiquer.
Se donner un petit coup de pied aux fesses pour avancer n’est pas forcément une mauvaise chose. Mais si prendre votre instrument devient une corvée dès le matin, il faut vous poser des questions.
Cette frustration peut peser sur votre moral, sur votre façon d’apprendre et même sur vos proches. Alors, pour les fous de guitare qui y consacrent énormément de temps : n’oubliez pas de vivre aussi.
La méthode, la constance et les objectifs doivent servir la musique. Ils ne doivent pas vous éloigner de la raison pour laquelle vous avez commencé. Quand vous sentez que tout devient trop contraignant, prenez du recul et retrouvez ce qui vous a donné envie de jouer.
Apprendre la guitare demande du travail, oui. Mais ce travail doit vous aider à écouter, comprendre et vous exprimer avec davantage de liberté. Pas à transformer votre passion en une obligation supplémentaire.